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阅读 38970 次 历史版本 2个 创建者:小白不白 (2011/3/10 22:13:47)  最新编辑:千里明月 (2011/7/3 22:17:39)
中国传统绘画
拼音:zhong guo chuan tong hui hua
英文:The traditional Chinese painting
同义词条:中国绘画,中国画,The traditional Chinese painting
 
中国绘画
中国绘画
 
  中国绘画艺术历史悠久,渊源流长,经过数千年的不断丰富、革新和发展,以汉族为主、包括少数民族在内的画家和匠师,创造了具有鲜明民族风格和丰富多采的形式手法,形成了独具中国意味的绘画语言体系,在东方以至世界艺术中都具有重要的地位与影响。
 
  

中国传统绘画概述

 
《中国绘画源流》
《中国绘画源流》
  中国古代绘画起源很早,五六千年前的先民们就用矿物颜色在岩石上涂画拙朴的动植物纹样和人形图案,在陶器上描绘各种美丽的图案纹饰,之后又在青铜器上刻铸纷繁神秘的花纹及其他图形。这些作品由于年代的久远,所保存下来的实属凤毛磷角,却使我们得以一窥早期绘画的面貌。我们今天所能看到的最早绘制于纸绢上的独幅绘画作品,是出土于墓葬的随葬品,距今己有2000多年的历史。
 
  早期的中国绘画以作品的题材划分为若干画科,如人物画、山水画、花鸟画等。公元17世纪前后,欧洲绘画传入中国,为了与本土传统绘画相区别,舶来之欧洲绘画作品冠名为“西洋画”,本土绘画自然就称为“中国画”。因此,中国画最初的称谓,是相对于西洋绘画(泛指欧洲绘画)而言的。
 
  中国画是东方绘画艺术的主流,在世界美术领域中自成体系。无论在艺术内容、形式,还是表现手法上,中国画与西方绘画都有极大的差别。  

工笔重彩画与水墨写意画

  在多数人的印象中,传统的中国画似乎就是水墨写意画,其实这是一个误会。中国画按照其技法及风格可分为两大类型,即工笔重彩画和水墨写意画。工笔画又称“细笔画”。其绘画风格工整细致,以规整并富有表现力的线条勾画出物象的轮廓,并注重于细部的刻划,然后再敷以厚重、鲜亮的颜色。工笔画所用颜料大多以矿物质制成,历经多年,仍然可以保持原有的色彩;整个画面漂亮明丽,有着很强的装饰效果。正因为这部分绘画作品具有富丽堂皇的外观,中国历史上大多数宫廷画家部采用此种画法,以表现皇家气派。
 
  相对于工笔画的就是写意画,又称 “粗笔画”。其画风简略,通过尽量简练的笔墨,着重描绘物象的神韵相意态,而并不十分在意所画对象的逼真与形似。画家在画中多采用概括、夸张的手法,运用丰富的联想,最大限度地抒发自己的情绪,张扬不同的个性。因此,写意画作品带有一定的即兴性、随意性和偶然出现的意外效果,较难临仿和描摹。它们几乎部是用水墨完成的,有着素淡、清雅的外观。这类作品在后期中国画坛上占有很大的比例。
 
  从中国画发展的历史来看,早期的(公元12世纪以前)画幅均为工笔重彩画。晚期的作品则多是水墨写意画;再从作者的情形来看,工笔重彩画的作者大都是职业画家或工匠画家,水墨写意画的作者则大多兼有文人的身份。
 
  当然,在工笔画和写意画之间还有一片开阔地带,供画家们在两端取舍,从而形成折中的即半工笔半写意的画法。  

诗、书、画、印的完美结合

  传统的中国画离不开诗词、题款、篆刻,是诗、书、画、印相结合的艺术表述。
 
  早期中国的许多文字,是根据对象的形状或意义,用简练的线条描绘出来的象形艾宇。这与使用线条画画相似。中国文字的这一特点,加上书写文字的形式本身带有很强的艺术创造性,因而与绘画有着某种天然的联系,人谓之“书画同源”。中国画家(尤其是文人画家)在作画的过程往往十分自然地将写字的笔法运用到绘画中去;他们在创作中的情感,很多时候以诗句的形式——直接题在画面上;并按中国文人的习惯,在画的落款处盖上刻有自己名号的朱砂红印章。强调线条的表现力,强调绘画笔墨的书法情趣,是品评中国画作品格调高下的重要标准。
 
  中国绘画非常讲究画家综合的艺术修养,画家在下笔之先,一般已经将题诗的内容、宇体及印章在画面中的位置作了通盘的考虑。画中的诗何与图像相辅相成,对画面意境和构图起到了某种补充和平衡的作用;印章的红颜色义与黑白的(水墨)图画形成色彩的差异。将诗、书、画、印四个分割的因素融为一体,组成一幅统一的画面,是中国画一个很重要的特色。
 
  从画面布局上看,中国传统绘画与欧洲绘画有一个明显不同,就是中国画很注重在画面留有空白。空白处并不是空无一物,它可以是山中的云蔼,可以是江面的晨雾,也可以是日月的光华,甚至可以什么都不是。有人认为,“布白”是中国画中最为人关注的要点。画家强调画面诗意的传达,那些空白处也许正是诗意的不确定性、模糊檬拢的象征,留给观赏者想象的余地。公元11世纪时的中国大画家、大文学家苏轼(1036-1101)曾提出“诗中有画,画中有诗”的主张,这也是后来历代画家追求的境界。  

人物画、山水画、花鸟画三足鼎立

中国绘画
中国绘画
  在中国画中,人、物、山水、花鸟是三个最大的科目,也是最常见的题材。它们大致可以和欧洲绘画中的人物、风景、静物相对应。
 
  以人物形象为赛主体的绘画,是中国古代绘画各科目中出现最早的,美术考古发现也证明了这一-点。原始社会的先民们用白茎、红矾土、霸炭黑在岩壁上画的人寨形和动物图案,可以说首开人物画的先霸河。至大约1500年前的魏昔南北朝时期,人物画的艺术发展逐渐成熟。这一时代的霞著名画家、艺术理论家顾恺之(348-409)提出了人物画应“以形传神”、“形神兼备”的主张,认为画家不仅应当正确地描绘人物的外形,而且要注意刻划人物的精神、气质,即内在的东西。在此后的漫长岁月里,艺术家。艺术评论家几乎无一例外地依循这一认识,从事创作和品评。人物画在中国绘画发展的前期有极其辉煌的历史。
 
  以描写山川自然景色为主体的绘画称为山水画,是中国画中最重要,也是影响最大的一个科目。它的兴起比人物画要晚得多,大约在唐代(618-907)趋于成熟,此后名家辈曲名作不断,盛极一时。山水画的兴盛,有其中国传统文化上的深层的原因。中国古代哲人崇尚"天人合一",认为人与天地万物是相通的,人的善性天赋能感知自相通的,人的善性天赋能感知自然。即便人在官场市井,心也向往着山水林木;亲近自然、融人自然,成为中国文人(包括画家)最大的愿望。画家们在描绘自然景色中寄托内心的感情和追求,同时给予观赏者以许多联想与启示。纵观中国古代的绘画史,山水画画家在所有画家所占比例是最大的。
 
  中国画的另一门类,以描写花卉、竹石、鸟兽,虫鱼为主体,其中最常见的是将花、鸟组合在一起,故称之为花鸟画。花鸟画给人一种特殊的观赏情趣,其兴起较山水画为早,起先用于工艺品的纹样上,到唐代开始成为中国画中的一个独立门类。中国古代文人喜好梅、兰、竹、菊,认为它们清雅高贵,表现了文人清高脱俗的气质。因此,梅兰竹菊是花鸟画中常见的题材。  

最古老的绘画——帛画

 
  1949年,在长沙东南郊楚墓中发现了一幅画在白色丝帛上的绘画,后来定名为《人物龙凤图》帛画。这就是迄今所知的中国最早的绘画作品。
 
战国时期《人物龙凤图》
战国时期《人物龙凤图》
  这幅两千三百多年前的古画,是葬仪中使用的旌幡,虽然已经斑驳模糊,但依然能够看到画中所描绘的情景:画中一位侧身妇女,阔袖长裙,双手合十,像在祈祷。妇人头顶上有一只腾空飞舞的凤鸟,尾羽向上卷起,左边一条体态扭曲的龙,正向上升腾,因为有一只足已经剥落,看上去好像只有一只脚,所以曾经被误认为是夔(传说夔只有一足)。对于这幅画的内容,研究者有多种推测,有人认为,这个妇人就是墓主人的肖像,前头的龙凤正引导她升天,有的认为这幅画描绘了女巫在为墓中的死者祈祷并以龙凤引导升天的巫术绘画。还有专家认为,凤与龙的争斗代表了善与恶的斗争,女子正在为善良战胜邪恶而祈祷。究竟何者为确,尚有待进一步探讨。
 
  这幅画是用流畅挺劲的线条勾勒出来的。有些部分填了墨色,也有些染色的痕迹。人和龙凤的造型都有一定的装饰性。画中没有背景,但饱满而富有动感的构图仍使画面显得完整而充实。
 
  在《人物龙凤图》帛画发现24年以后,在与其相近的一座楚国墓葬中又发现了另一幅帛画。画中有一位头戴高冠的男子,一手握缰绳,一手执长剑,驾着舟形的长龙前进。这幅作品被定名为《人物御龙图》。专家认为,这个男子可能是墓主人,画面表示死者的灵魂正在生归天国。因为在当时的楚国,流行死后升天的意识,它与《人物龙凤图》不仅时代相同,内容也比较近似,好像是姊妹篇。两幅画的表现方式也很相近,所不同的是,这幅《人物御龙图》所画得人和动物都更加写实,比例关系与现实中的人物更接近些。这也反映了在战国时期绘画表现手法已经不止一种,有的比较写实,有的更具有装饰性,而且,都已经达到了相当高的水平。可以说这一时期的绘画大致确立了中国工笔画的基本表现手法。
 
  在这一时期的文献中,已经有了关于绘画的理论论述和绘画记载。《韩非子》中提出画犬马难,画鬼魅易的观点,并记载有位画家为周君画筛米用的簸箕,上面画有龙蛇、禽兽、车马与杂物。屈原天问》里也记有在楚庙和祠堂里的壁画中,画满了“天地山川神灵”和“古圣贤怪物形事”等充满神话幻想的形象。
 
  在纸出现以前,帛画不断地发展。到西汉时期,帛画的画面更加丰富,线条健挺流畅,形象刻画细腻,色彩富丽,表现技法纯熟,帛画达到了高峰。  

顾恺之和卷轴画

 
顾恺之《洛神赋图》
顾恺之《洛神赋图》
  在中国绘画史上,魏晋南北朝是一个非常重要的时期。全国长期战乱,南北对峙,朝代频频更迭,却使当时的学术思想格外活跃,并促进了艺术的发展。这一时期的石窟壁画、墓室壁画、石刻、砖刻以及漆画等都已蔚然可观,出现了开宗立派的专业画家、书法家,而且,作为奠立中国绘画理论基础的“传神论”、“六法论”也在这一时期提出。在绘画上,被尊为画祖的顾恺之和他的卷轴画最具有代表性。
 
  顾恺之(344-405)原名长康,字虎头,出生于晋陵(江苏无锡)一个官僚家庭。年青时作过官,有机会游览各地的名山大川。他性格诙谐,精通诗文,时人称他“才绝、画绝、痴绝”,画史上关于他的轶事有不少记载。
 
  有一年,当时的都城建康(今南京)城里要修建一座寺庙--瓦官寺,主持和尚靠缘募集不到资金而一筹莫展。这时候来了个贫苦的年青人,说要捐一百万钱。主持僧以为他吹牛,起初不相信。青年人提出要在一面粉刷好的墙上画一幅维摩诘(传说中一个信佛教但不出家的居士)像,可以向前来观看他作画的人征集捐款。就这样,一连三天,观众人山人海,把瓦官寺挤得水泄不通。等到最后,这个年青人为维摩诘点上眼珠的时候,画上的人物就像活了一样,观众的赞叹声、掌声、欢呼声响成一片。这时募集的钱早超过了一百万。这个年青的画家就是顾恺之。
 
顾恺之《女史箴图》
顾恺之《女史箴图》
  顾恺之不仅重视刻画眼睛,还特别注意表现人物的特点。有个叫裴楷的人脸颊上有三根长汗毛,别人为他画像时,都不画出来,顾恺之却把这三根汗毛画得特别突出,而强调他的特征。另一次为谢鲲画像,把他画在山岩中间,人家问他是什么道理,他说,谢鲲喜欢游山玩水,所以把他画在山岩之间。可见顾恺之还善于用环境衬托人物的个性特征。这些都表现了顾恺之的绘画天才。
 
  顾恺之在绘画理论方面也卓有建树,他留下来的论著有《论画》、《画云台山记》等。他主张要形神兼备,更重传神。他提出的“传神论”成为中国绘画的基本理论之一。根据记载,顾恺之的作品有七十多件,他画过历史故事、神佛、人物、飞禽走兽、山水等。可惜,现在能看到的只有《女史箴图》、《洛神赋图》和《列女仁智图》三幅卷轴画摹本了。它们是迄今所知最早的卷轴画。
 
  《洛神赋图》是根据三国魏王曹操的儿子曹植所著《洛神赋》所绘。《洛神赋》描述了作者途经洛水同神话传说中的洛水女神相会的情景。顾恺之描绘了曹植与洛神相逢又相别的情节,发挥了高度的艺术想象力,富有诗意地描绘了赋中的意境。画家注重对人物情态的刻画,山石、树木都富有装饰性。这一作品,与同一时期的敦煌壁画有相近的风格,并对后世中国画产生了深远的影响。  

画圣吴道子

 
唐吴道子《维摩诘像》
唐吴道子《维摩诘像》
  在中国艺术史上,有三位艺术家被戴上“圣”的桂冠:一位是晋代王羲之,被誉为书圣,一位是唐代杜甫,被誉为诗圣,还有一位被誉为画圣,那就是唐代的吴道子
 
  可惜吴道子的生卒代已不可考,只知道他一生主要活动时期在唐朝开元、天宝年间(713-755)。吴道子出生在阳翟(今河南禹县),幼年失去双亲,生活贫困,为了生计,向民间画工和雕匠学习,由于他刻苦好学,才华出众,20岁时,就已经很有名气。唐玄宗把他召入宫中担任宫廷画师,为他改名道玄。他成了御用画家,没有皇帝的命令,不能擅自作画。这样,一方面对他这样一个平民意识很强的艺术家是一种约束和限制,另一方面,他得到了最优厚的条件,不再浪迹江湖,利用条件,可以施展他的艺术才华。
 
  吴道子性格豪爽,不拘小节,“每一挥毫,必须酣饮”,因此,经常是醉中作画。传说他描绘壁画中佛头顶上的圆光时,不用尺规,挥笔而成。在龙兴寺作画的时候,观者水泄不通。他画画时很快,像一阵旋风,一气呵成。当时的都城长安(今西安)是全国文化中心,汇集了许多著名的文人和书画家。吴道子经常和这些人在一起,使他的技艺不断提高。有一次,在洛阳同他的书法老师张旭和善于舞剑的将军相遇,吴道子观看裴持剑起舞,左旋右转,神出鬼没,变化万端,很受启发,即兴在天宫寺墙壁上画了一幅壁画,画时笔走如飞,飒飒有声,倾刻而成。随后张旭又在墙壁上作书。这一次使在场数千观众大饱眼福,高兴地赞叹:“一日之中,获观三绝!”
 
  还有一次,唐玄宗要看嘉陵江的景象,派吴道子去写生。吴回来后,要人准备了一匹素绢,用了一天时间,在大同殿上画出嘉陵江三百余里风光,令唐玄宗赞叹不已,认为和在此前不久另一位画家李思训用几个月功夫画成的嘉陵山水一样美妙。
 
  吴道子是一个多产的画家,他作品的数量很大。据说寺廊壁画有三百余堵,有记录的卷轴画有一百多件。其中佛教、道教题材为多,还有山水、花鸟、走兽等。可惜今已无存。《送子天王图》(一称《释迦降生图》)是宋人对他作品的临摹本。它所表现的是释迦牟尼降生为净饭王子以后,其父净饭王抱他拜谢天神的佛经故事。从中反映了吴道子的基本画风。吴道子打破了长期以来沿袭的顾(恺之)陆(探微)“紧劲联绵,如春蚕吐丝”那种游丝描法,因为游丝描的线条圆润挺健,但如铁线一般而无变化。吴道子开创兰叶描,“行笔磊落,挥霍如莼莱条,圆间折算,方圆凹凸”。他用笔起伏变化,状势雄峻而疏放,表现了内在的精神力量。同时,他敷色比较简淡,甚至不着色。他在创作的时候,处于一种高度兴奋与紧张状态,很有点表现主义的味道。这些,似乎都透出了后来疏笔水墨画的先声。 

唐代人物画

 
唐 张萱 《虢国夫人游春图》
唐 张萱 《虢国夫人游春图》
  唐代是人物画非常繁盛的时代。
 
  唐代中期,先后产生了两位重要的人物画家,从一定意义上,他们的作品标志着人物画的转变,因而在绘画史上占有特殊地位。这就是擅长描绘宫廷女性的张萱和周昉。
 
  一个时期里美术发展的趋向或转变,可以从当时社会意识、文化崇尚乃至经济关系中找出最终的根源。唐王朝经过近百年的发展,政权已经稳定,经济富足,贵族中间的享乐主义不断加强。于是,初唐时像阎立本那样以人物画表彰功臣,以绘画为"存乎借鉴"的政治性创作,已不显得多么需要。神圣庄严的释梵天女竟以豪门中姬妾为模特。这表明宗教美术中现实成分的不断增强,以至于将从中分离出来而发展为世俗美术。张萱和周就是在这样的社会背景和绘画发展趋势下登上人物画画坛的。
 
  张萱是开元年间的画官,擅长画贵族妇女、婴儿、鞍马。宋代《宣和画谱》记载他的作品就有47件。但作品的真迹并没有流传下来,今天所能见到的是宋徽宗赵佶的摹本《虢国夫人游春图》和《捣练图》。《虢国夫人游春图》是描绘天宝年间杨贵妃的妹妹虢国夫人和秦国夫人带随从出游的场面。画中八个骑马女性,布局疏密有致,背景不落墨痕,以人物闲适欢愉的意态和华丽的服饰烘托"春"的感觉。《捣练图》则描绘妇女捣练、络线和缝制等劳动的情景。全画分三组,人物或坐或立,相互顾盼呼应,特别是通过动作细节,传达劳动过程中的生活情趣。
周 《调琴啜茗图》(局部)
周昉《调琴啜茗图》(局部)
 
  周昉,长安人,主要活动于代宗和德宗时期(763-804)。周昉出身于贵族,绘画曾受张萱影响。他的肖像画颇能传神。有一次,他和另一位画家韩于同时为郭子仪的女婿赵纵画像,两人画完后,众人连连赞赏,分不出高下。郭子仪的女儿看了,说韩干的画“空得赵郎状貌”,而周则“兼移其神气,得赵郎性情笑言之状”。可见,周P是善于抓取对象神态特征的。周的作品"衣裳劲简","彩色柔丽",女性形象“以丰厚为体”。《簪花仕女图》、《纨扇仕女图》、《调琴啜茗图》都是他的代表性作品。《簪花仕女图》取材宫廷女性生活,后宫嫔妃装饰华丽奢艳,体态丰腴,正从容悠缓地在庭园散步。背景极其简括,画面的意境、情调主要是通过对人物形象和神态的刻划表现出来的。
 
  张萱和周昉的人物画一变汉魏以来的列女、孝子、功臣、良将以及佛道人物为主要题材的传统,把人物画的表现视野转向了现实生活。他们是贵族女性风俗画的先驱,对后世仕女画创作产生了重大影响。  

宋代皇家画院

 
  早在五代时期,西蜀(891-965)和南唐(937-975)就已经开始设立专门从事绘画的机构——画院。画院由国家直接管理,画院画家以“翰林”、“侍诏”的身份享受与文官相近的待遇,并穿戴官服,领取国家发放的“俸值”。这样,国家可以把全国最优秀的丹青妙手汇聚起来。画院要以描绘帝王贵族肖像与生活为主要任务。凡有重大活动,便有画院高手进行描绘记载。所以,这对画家的艺术提高起到鼓励和促进作用。如西蜀时画院画家黄签、黄居采父子在花鸟画方面,南唐时画院画家曹仲玄、周文矩、顾闳中等在人物方面,都取得了很大成就,并对后世产生了较大的影响。
 
  公元960年,宋王朝统一中国后,继续设立画院并加以扩大,成立了翰林图画院。原来五代时画院的高手都在宋画院供职。宋代的画院成为全国绘画创作的中心。为了挑选为新建的玉清昭应宫绘制壁画,画院主持向全国召募画师,应召画家竟超过三千人。经过考试,武宗元、王拙等百余人入选。武宗元就是《朝元仙杖图》的作者,当时人们认为他可以和吴道子相比。前述《清明上河图》的作者张择端就是宋徽宗时画院的画师。
 
赵佶《芙蓉锦鸡图》
赵佶《芙蓉锦鸡图》
  皇家画院最活跃的时期是从宋徽宗到南迁后高宗、孝宗时期(1101-1189)。画院日趋完备,画院考试正式纳入科举考试之列,以揽天下画家。考试按题材分六科,摘古人诗句为题,看谁的构思巧妙,出奇制胜,更有创造性。例如,对于"野水无人渡,孤舟尽日横"的考题,优胜者不落入在船上停一只鹭鸶的俗套,而画一人在船尾入睡,横置一根笛子,因终日等待渡者而疲倦。"深山藏古寺"的题目,立意在"藏"字上,画中并不画古刹一角,只画一个小和尚在溪边担水足矣。
 
  宋代画院的兴盛同宋徽宗赵佶(1082-1135)有密切关系。赵佶不仅是画院的倡导者和支持者,同时还是一个颇有成就的画家和水平很高的鉴赏者。他要求画家要师法自然,把握对象的“情态形色”,符合物理,不倚傍前人。有一次,赵佶要画院画家画孔雀升墩的屏障,画了几次他都不满意,问他为什么,他说,孔雀开放一定先要举左脚,而画家却都画成抬右脚了。
 
  赵佶不仅重视写生,还讲究物理法度。他曾经画过鹤的二十种不同姿态。他画鸟雀时用生漆点睛,黑豆粒般地凸出在纸绢上,使眼珠发亮,十分生动。他在人物、山水、花鸟几方面都有一定成就,花鸟画最为突出。其他署名的作品有《腊枝珍禽图》、《芙蓉锦鸡图》、《瑞鹤图》、《文会图》等多幅。由于他的特殊地位和身份,难免其中有御用画家代笔者。他还创立了一种精瘦劲健的"瘦金体"书法,别具一格。他在整理和保存古代艺术遗产方面也起到了积极的作用。他授意编成的《宣和睿览集》共100帙,分14门,总数达1500件作品。《宣和画谱》20卷,收入6396件作品。
 
  赵佶在政治上是一个昏庸无能的皇帝,一个亡国之君,但在艺术上是有作为的,他对于宋代画院的建设和院体画的发展,对于书画艺术的提倡和创作,以及对于古代艺术的整理与保存,是有突出贡献的。他称得上是一个“不爱江山爱丹青”的皇帝。  

《清明上河图》

 
《清明上河图》(左局部)
《清明上河图》(左局部)
  中国古代书画上除了作者的题跋和钤印外,往往还有收藏者的题款和钤印。我国有这样一幅名画,上署有许许多多人的题跋,盖有密密麻麻的鉴藏印章。可见它经过了许多官方和私家收藏者之手。这就是著名的《清明上河图》。它历经八、九百年的岁月沧桑,饱经劫难,有的收藏者为其而遭不幸,作品终于幸免于难而保存下来。
 
  《清明上河图》的作者是宋代画家张择端。张择端是山东人,早年在汴京(今河南开封)学习绘画,后为北宋画院画师。虽然有关他的记载很少,但这幅了不起的作品,使后人永远地记住了他。
 
  《清明上河图》是一幅绢本设色长卷,高248厘米,长528厘米。图中描绘的是北宋都城汴京在清明时节的繁华热闹的景象。清明上河是当时的民间风俗,如像今天的节日集会,人们藉以参加商贸活动。全图规模宏大,结构严谨,大致分为三个段落:第一段是市郊景画,第二段是汴河,第三段是城内街市。
 
《清明上河图》(中局部)
《清明上河图》(中局部)
  先是汴京郊外的景象。农民在田里耕作,有钱人扫墓归来。路上,驮队、挑夫、骑马坐轿的人物正匆匆进城。接下去是最精彩的部分--汴河。汴河上的拱桥如一道彩虹,桥上行人如潮,熙熙攘攘,磨肩擦踵,桥下舟楫相竞相争。许多细小情节刻划得极有情趣。如桥头一匹惊马造成险情,毛驴被惊吓,好奇的人在围观。接着又描绘汴京的街市。汴京作为当时政治、经济、文化的中心,城中官府衙门、民居宅院、作坊店铺、茶肆酒楼,屋宇错落,林林总总,街上车水马龙,九流三教,应有尽有,百业兴隆,热闹非凡。画面又展开一幅从容的景象,有张有驰,形成有趣的对比和节奏感。画家通过对汴京城内建筑、商贸、交通、运输几个方面的描绘,再现了北宋都城的繁华和发达。
 
  《清明上河图》中画有五百五十余人,各种牲畜六十多匹,木船二十多只,房屋楼阁三十多栋,推车乘轿也有二十多件。如此丰富多彩的内容,为历代古画中所罕见。可贵的是,画中每个人物、景象、细节,都安排得合情合理,疏密、繁简、动静、聚散等画面关系,处理得恰到好处,达到繁而不杂,多而不乱。充分表现了画家对社会生活的深刻洞察力和高度的艺术修养和表现能力。
 
  《清明上河图》既是一件伟大的现实主义绘画艺术珍品,同时,也提供了北宋大都市的商业、手工业、民俗、建筑,交通工具等丰富的形象资料,因此,它还具有历史文献的价值。  

元四家

 
  中国绘画史上,经常把一个时期或某一地区最突出的几个画家相提并论,作为代表,并冠上数目。“元四家”,是指元代四个突出的山水画家:黄公望、倪瓒、吴镇和王蒙。他们的山水画代表了中国山水画史上的一个高峰。
 
  山水画是中国画中重要的画科。起初,山林、树木只是作为人物画的陪衬,画得比人物还小。在隋朝展子虔所画的《游春图》中,山水已经成为表现的主体。唐代山水画达到成熟,出现了李思训家族的青绿山水,和韦偃、张躁等人的泼墨山水。
 
  到了宋代,山水画达到鼎盛,山水画家灿若群星,以雄劲挺拔为特色的“北方派”有李成、范宽郭忠恕等,以淡墨轻岚为特色的“南方派”有董源、巨然为代表,人们比喻当时山水画坛的繁荣是“岩竟秀,万壑争流”。宋代山水画的共同特点也像当时的花鸟、人物画一样,强调师法造化,比较写实。元代画家在这样的基础上,把山水画又推上一个新的高峰。
 
  黄公望(1269-1354),常熟人,年青时作过小官,因别人的事牵连入狱。出狱后改名“一峰”,并当了道士,开始画画。50岁后隐居杭州,专心于山水画创作。黄公望得到舅舅赵孟頫的传授,融合宋代各大家之所长,到了晚年,又"卧青心,望白云",深入到大自然中观察体悟,形成自己“气清质实,骨苍神腴”的艺术风格。他的代表性作品《富春山居图》,花了七年时间完成,高33厘米,横长396.6厘米。将富春江两岸数百里精萃收聚于笔下。画家中锋、侧锋兼施,尖笔、秃笔并用,长短干笔皴擦,湿笔披麻,浑成一体。
 
倪瓒《水竹居图》
倪瓒《水竹居图》
  倪瓒(1301-1374)是无锡人,家境富足。朱元璋起义后,他弃家出走。“扁舟蓑笠,往来湖泖之间”达二十年之久。他的画主要表现太湖一带风光,取平远法构图,简略旷远。他善用侧锋淡墨,干笔皴擦,作品笔墨精粹,意境幽远。代表作品有《渔庄秋霁图》、《紫芝山房图》、《江岸望山图》。倪瓒主张绘画不过“逸笔草草,不求形似”,“聊以自娱”,多为文人画家所称道。
 
  吴镇(1280-1354),浙江嘉兴人,博学多识,性情孤傲,隐居乡里,在杭州以卖卜为生。他的画师承巨然,善用湿墨,充分发挥水墨画的特性。他的画风沉郁苍莽。传世作品有《嘉禾八景图》、《水村图》等。
 
  王蒙(1308-1385),湖州人,生活于元末明初,明初曾任泰安知州,后被牵连入狱而死。他从小向外祖父赵孟 学画,长大后与黄公望、倪瓒多有交往。他作画喜用焦墨渴笔,点细碎苔点,画面繁密充实。他善画江南林木丰茂的景色,湿润华滋,意境幽远。代表作品有《青卞隐居图》、《夏日山居图》、《春山读书图》等。
 
  “元四家”的作品更注重笔墨技巧,更讲究意境神韵,使山水画的美学价值更加提高。但由于对末落王朝的怀恋意识和情结,也由于文人艺术思潮的影响,他们的作品偏于淡远、萧疏、幽深,从某种意义上说,比较脱离现实。“元四家”的作品对相继的明清山水画发生了巨大的影响。  

吴门画派

 
  自元朝以后,江南苏州一带,成为文人荟萃之地。许多著名画家云集苏州,史料记载,当时苏州有150余人,占明代画家总数的五分之一。他们形成一个强大的画派。苏州史称“吴门”,作为有共同地区特征的画家群形成了吴门画派。吴门画派的领袖沈周同他的学生文征明、唐寅,再加上仇英,合称"吴门四家"。
 
  沈周(1427-1509),字启南,号石田,湖南长沙人。他出身出书香门第,家境优裕。他为人宽厚,长于诗文而富于学养。四十岁前多画小幅,画面充满、细密,以后喜画大幅,长林巨壑,一气呵成,如《泸州趣园》,《庐山高图》。
 
  沈周还长于花鸟,是继林良之后向写意花鸟的过渡,如《枯木鹳鹆图》。他融汇宋元传统,形成雄伟清新、粗放雅逸的风格。
 
  文征明(1470-1559),原名璧,征明为其字,长沙人。他是沈周的弟子,传统功力深厚,笔墨精到。他一生过着舒适的士大夫生活,创作视野较窄。
 
  文征明的作品有两类:一类是苍郁茂盛,氤氲淋漓的小墨山水,风格粗放,如《山雨图》、《古木寒泉图》等;另一类是秀丽工整,典雅细密的青绿山水,章法严谨、疏密有致,颇具书卷气,如《万壑争流图》、《兵赏斋图》等。他活到九十多岁,老年时,求画的每天车马盈门。有不少人靠造他的假画为生。
唐寅《山路松声图轴》
唐寅《山路松声图轴》
 
  唐寅(1470-1523),字子畏、伯虎,号六如居士,吴县人。唐寅也是沈周的学生。他多才多艺,疏狂放任,一生坎坷多舛,晚年生活潦倒,五十多岁就去世了。
 
  唐寅游历过许多名山大川,师承南宋画风,但不墨守陈规,山水、花鸟、人物皆精,工笔写意俱佳。他画的民俗题材作品有一定生活气息。他的作品笔墨灵逸,畅快淋漓,劲健繁茂、沉郁秀雅,既延续了传统,又开创了新意。
 
  唐寅留下的作品较多,如《山路松声》、《抱琴归去》、《孟蜀宫妓图》、《桐阴清梦图》等。
 
  仇英(约1493-1560),字实父,号十洲,江苏太仓人。他的山水画以青绿山水见长,笔墨细润,风骨劲峭,色彩浓丽,如《剑阁图》。他的工笔人物造型准确,形神兼备,色彩明艳绚烂,并且,还工于界画。他比较熟悉民间生活,吸收了灯画、扇画、版画等民间美术中的营养。同时,他还是一个临摹古画的能手。
 
  明代隆庆、万历及崇祯(1567-1644)时期,是吴门画派最盛的时期。吴门画派虽然因受生活范围的限制,题材面狭窄,立意比较单调,作品的重复性较大,但是,他们重视继承前人的笔墨传统,关注作品中的气韵神采,把对风格的追求作为艺术的重要目的。而且,由于他们具有深厚的文化修养,有各自的美学追求,从而也具有一定的创造性。他们的笔墨技巧和表现手法,以及对意境的创造,对后世有很大影响。  

扬州八怪

 
  实际上,当时活跃在扬州画坛上的重要的画家并不止八人,约有十六、七人,“八”并非确数。按最早的记载有:金农、黄慎、郑燮、李宗扬、李方膺、汪士慎 、高翔和罗聘。所以称他们为怪,是因为他们在作画时不守墨矩,离经叛道,奇奇怪怪,再加上大都个性很强,孤傲清高,行为狂放,所以称之为"八怪"。
金农《梅图轴》
金农《梅图轴》
 
  金农(1487-1764),字寿门,号冬心,杭州人,人称八怪之首。他博学多才,五十岁后始作画,终生贫困。他长于花鸟、山水、人物,尤擅墨梅。他的画造型奇古、拙朴,布局考究,构思别出新意,作品有《墨梅图》、《月花图》等。他独创一种隶书体,自谓"漆书",另有意趣。
 
  黄慎(1687-1768)字恭懋,号瘿瓢,福建宁化人。他幼时家贫,学怀素书法获 益,以草书入画,自创风格,擅长粗笔写意,人物画造诣最高。作品多以神仙佛道为题材,也有不少反映社会下层人物生活的作品。作品有《醉眠图》、《苏武牧羊图》等。
 
  李宗扬(1686-1762),号复堂,江苏兴化人。他从小喜爱绘画,十六岁时就有了名气。他曾经作过山东滕州知县。他受徐谓、石涛影响较大,画风粗放,不拘法度,泼墨淋漓,设色清雅,以“水墨融成奇趣”。作品有《秋葵图》、《松柏兰石图》。
 
  李方膺(1695-1755)字虬仲,号晴江,江苏南通人。曾任县令、知府约二十年,和金农、郑燮交谊甚笃,善画松、竹、梅、兰,晚年专门画梅自喻。他在一首题画诗中写道:"此幅梅花又一般,并无曲笔要人看。画家不解随时俗,毫气横行列笔端。"他的作品有《游鱼图》、《潇湘风竹图》等。
 
  高翔(1688-1753),字凤翰,号西唐,扬州人。高翔生活清苦,性格孤傲,一生敬佩石涛,善画山水、花鸟,喜画疏枝梅花,作品有《弹指阁图》等。
 
  汪士慎(1685-1759),字近人,号巢林,安徽休宁人。幼时家贫,居扬州卖画为生,安贫乐道,精研艺术,擅画梅。他与金农、高翔、罗聘被时人称四大画梅高手,作品有《墨梅图》等。
 
黄慎《花鸟草虫》
黄慎《花鸟草虫》
  罗聘(1733-1799),字循夫,号两峰,祖籍安徽歙县,迁居扬州。他是金农的弟子,在"八怪"中,年辈最小,但见识很高,落笔不凡。他终生不仕,以卖画为生,一生潦倒。作品有《鬼趣图》、《醉钟馗图》等。
 
  郑燮(1693-1765),字克柔,号板桥,江苏兴化人。他为康熙秀才、雍正举人,乾隆进士。曾任山东范县、潍县知县,因开仓赈济灾民,得罪上司,愤然辞官,居扬州卖画为生。他思想特别活跃,颇有创见,诗出画造诣俱高,擅画竹、兰、石。他还创造了一种集真、草、隶、篆于一体的六分半书体。人称“乱石铺街”体。他是一个有很强人民性的画家,在潍县任县令时,给巡抚画了一幅竹子,题句曰:“斋衙卧听潇潇竹,疑是民间疾苦声,些小吾曹州县吏,一枝一叶总关情。”
 
  “扬州八怪”有相近的生活体验和思想情感。他们大多出身于知识阶层,有的终生不仕,有的经过科举从政,一度出任小官,却又先后被黜或辞职,终以卖画为生。他们生活比较清苦,深知官场的腐败,形成了蔑视权贵,行为狂放的性格,借助书画抒发内心的愤懑。
 
  他们的艺术大都取材花鸟,以写意为主要表现方式。他们在创作中重视个性,力求创新,不同程度地突破传统美学规范,带有某些反传统的意义,作品具有较强的主观色彩,令人耳目一新。但在当时,他们并不能够被完全理解,甚至被视为左道旁门,而受到"非议"。其实,正是他们开创了画坛上新的局面,为花鸟画的发展拓宽了道路。  
 

中国画 - 20世纪中国画的创新与继承


1919年爆发的五四运动,高举起了反对封建文化的新文化运动大旗。在美术领域,主张革新的美术家们纷纷响应新文化运动的号召,通过变革传统中国画来创造新的,适应时代需要的新美术。在这一变革过程中,一部分美术家积极引进西方美术的写生,写实方法,在世纪初形成了学习西方绘画,兴办美术学校的热潮。“写实改造中国画”,主要针对明清时期文人墨画模拟古人笔法,缺少新的创造而进行变革。以徐悲鸿为代表的写实风格画家与古代画家作品的比较中,可以部分了解这种变革的特点。
【起因】
封建社会后期,旧文人画家沉浸于对古人笔墨意趣的模仿,日益脱离与社会生活的联系,这种因袭守旧的局面限制了画家对时代生活和个人感情的表现。与徐悲鸿同为20世纪新美术变革开拓者的林风眠,从突破传统笔墨程式的角度,大力提倡到自然中写生,主张减弱“写”的用笔方法,突出“画”的自由表达特性,力图在中西绘画之间学一种新的创作道路。被推为“中西融合”的代表人物。
【改革】
20世纪力求变革的中国美术家,更加关注对描绘对形象具体形象特点的深度刻画,更加突出对自然景物表现的个人感受。这些创新探索,与当时中国新文学创作所提倡的“白话文”,“自由体诗”一样破旧立新,开辟了与五四新文化精神相呼应的中国新美术变革的道路。
【新时代】
具有千年传统的中国画,经过20世纪的变革历程。在“中西融合”与“借古开今”两大创新追求的推动下,产生了历史上前所未有的丰富多样的新风格,以独特的现代品格立于当代世界美术艺术之林。
 

现代绘画大师徐悲鸿

 
徐悲鸿《八骏图》
徐悲鸿《八骏图》
  20世纪初,中国发生了“五四”新文化运动,这是在文化界一场反帝反封建的革命。五四运动以后,许多画界学子纷纷负笈留洋,向西方学习。徐悲鸿就是在这个时期奔赴欧洲,引进了西方古典写实主义,他融合中西绘画,关注现实生活,并成为中国现实主义美术的先驱。
 
  徐悲鸿(1895-1953)是江苏宜兴人,父亲是个小有名气的画家。悲鸿少年时代,随父学画,20岁时,在上海卖画。1918年,他接受蔡元培聘请,任北京大学画法研究会导师,翌年赴巴黎留学,后又转往柏林比利时研习素描和油画。他非常喜欢欧洲文艺复兴时期及以后的古典绘画,废寝忘食的悉心临摹。1927年回国后。先后任北平艺术学院院长,南京中央大学艺术系系主任,抗战后任北平艺专校长。解放后,任中央美术学院院长,全国美术工作者协会主席,直至病逝。
 
  徐悲鸿吸收西画中重视人体解剖、造型精确的特点,用于对中国画人物形象的刻画。他在欧洲8年时间里,对西方绘画中的古典主文,浪漫主义、印象主义等流派艺术的精髓及要义有深入的理解,并使之与中国画有机地融合起来。他把中西绘画比喻为不同的剧种或不同的乐器,认为各有特点,应该各显其能,各尽其美。重要的是,要使形式与内容相统一。要善于识别精华与糟粕,吸收外来艺术中的有益营养。
 
徐悲鸿《愚公移山》
徐悲鸿《愚公移山》
  徐悲鸿借鉴西方绘画成功的原因,还在于他对中国古代传统艺术具有深厚的基础。他推崇唐代阎立本、吴道子、李思训,五代两宋的黄筌、范宽以及明清的徐渭、陈老莲、石涛、八大山人等,他对任伯年也相当膺服。他继承古代画论中“外师造化”的传统,主张艺术家要“追求真理,探究人生”。他在《画苑序》中总结了“新七法”,即:一,位置得宜;二,比例准确;三,黑白分明;四,动作和姿势天然;五,轻重和谐;六,性格毕现;七,传神阿堵。从中可见他对中西绘画所作的研究以及将中西绘画标准相结合所作的探索,这既是他自己艺术实践的总结,也是他对现实主义美术理论研究的成果。
 
  徐悲鸿一生创作了数千件中国画、油画和素描作品。他画的国画《愚公移山》、油画《田横五百士》、《奚我后》、《九方皋》等都是以历史或神话故事影射现实的主题性创作。这些作品构思严谨,场面恢宏,人物众多,刻画深入,都比较充分地表现了主题。徐悲鸿的动物,花鸟画作品也往往具有一定积极的含义,甚至表达一定的主题思想,如《风雨鸡鸣》、《骏马图》等。这些都反映了作者关注现实、为人生而艺术的艺术观和忧国忧民的情操。徐悲鸿对马的外形和习性有过深入的研究,他画过千余幅马的速写。所以他能利用西方画法和中国画笔墨表现写实的马,在他的笔下,创作出了具有鲜明艺术个性的马的形象。
 
  徐悲鸿为培养美术的新生力量付出了巨大心血,对中国新兴的美术教育作出了开创性的贡献。  

人民艺术家齐白石

 
  齐白石(1864-1957)是跨越两世纪活到将近百岁的大画家,他是继清末民初海派画家之后把传统中国画推上一个新高峰的绘画大师。
 
齐白石 《蜻蜓》
齐白石 《蜻蜓》
  齐白石是湖南湘潭人,原名阿芝,后改齐璜。齐白石家境贫困,他只上过九年私塾,不得不辍学。他砍柴、放牛、种田,什么活都干。12岁学木匠,15岁学雕花木工,挣钱养家。他偶然得到一木《芥子园画谱》,便反复临摹,学会了一些基本画法。齐白石27岁时,拜乡绅胡沁园为师学习绘画,纂刻和诗文。加之他刻苦,长进很快。他曾用了七年时间走访名山大川,结交名士,开拓了眼界,使他的艺术发生了重大转变。他从一个雕花木匠,发展为民间画师,进而成为有文化修养的艺术家。60岁后定居北京,接受画友陈师曾的劝告,由工笔和小写意转向大写意,开始了“衰年变法”,终于自成一体。在他90岁时,文化部授予他"人民艺术家"的光荣称号,后又被选为中国美术家协会主席。1956年,世界和平理事会授予他和平奖金。逝世后,被列为世界文化名人。
 
  齐白石的诗文、书画篆刻都达到很深的造诣,他的写意花鸟画上承徐渭、朱耷、扬州八怪以及吴昌硕,具有深厚的传统文化功力。与此同时,他把农民的生活和情感也融进他的艺术中。他把老鼠、油灯、算盘、锄头、柴耙等引进画中,并流露出农民的质朴、孩子般的天真,真诚的爱和恨,远远地打破了传统文人画中画竹即写“虚心”,画兰便写“幽香”的陈套。他在一幅《竹院围棋图》上题诗曰:“阖群纵横万竹间,且消日月雨转闲,笑侬尤胜林和靖,除却能棋粪可担。”把下棋和挑粪并提。齐白石从民间画工转变为文人画家,经过了"变法"。他又将富有农民生活气息的民间艺术情趣融进文人画中,这不仅扩展了文人画表现的题材,而且也更新了文人画的艺术境界,开创了具有时代精神和生活气息的写意花鸟画的新篇章。
 
  齐白石的绘画为人民大众所喜爱的另一个原因是因为他的作品表达了深厚的民族感情,鞭挞时弊,痛快淋漓。1937年,"七·七"事变后,齐白石闭门谢客,拒绝日伪大小头目索画,也不卖画,表现了宁可挨饿也不丧失气节的精神。他画了《群鼠图》以讽刺日本侵略者,还写了不少抒发国破之愤的诗。他为了讽刺旧官们的腐败,画了《不倒翁》和题有"看你横行到几时"的螃蟹。新中国成立时,齐白石又画了《祖国万岁》,抗美援朝时他画了和平鸽,参加义卖画展。他的绘画艺术表达对祖国的一片深情。这与消极避世,超脱孤寂的古代文人画创作是截然不同的。在他的作品中,洋溢着健康、欢乐、恢谐、倔强、自足和蓬勃的生命力。  

评价

 
  中国绘画是中国文化的重要组成部分,根植于民族文化土壤之中。它不单纯拘泥于外表形似,更强调神似。它以毛笔、水墨、宣纸为特殊材料,建构了独特的透视理论,大胆而自由地打破时空限制,具有高度的概括力与想象力,这种出色的技巧与手段,不仅使中国传统绘画独具艺术魄力,而且日益为世界现代艺术所借鉴吸收。
 

现代优秀中国画作品

 
吴冠中作品
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黄永玉作品
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李延声作品
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陈玉先作品
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